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当代艺术发展形态和趋势
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当代艺术发展形态和趋势

发布日期:2014-01-11


 《张桂林版画作品展》于近日在北京特米斯艺术馆隆重开幕,作为中国*早从事丝网版画创作的开拓者,张桂林教授的创作造诣深厚,他先后在美国洛杉矶、西班牙马德里、日本名古屋等地举办个人作品展,作品入选英国伦敦大英博物馆、德国路德维希博物馆、西班牙马德里自治大学、日本福冈博物馆等世界各大**展馆。张桂林教授至今仍然在教育事业上不遗余力的培养新人。这次他为特米斯艺术馆带来了三十五幅近期创作的优秀作品,其中有*早期创作的四幅珍藏多年的反映特定历史时期的优秀作品,成为本次专场展的一大亮点。
  中国版权保护中心主任段桂鉴、特米斯艺术馆馆长王苗分别在开幕式上发言,下午举办的以《当代艺术发展现状和趋势》为主题的论坛活动,成为与会嘉宾关注的焦点,论坛邀请嘉宾主持有民生银行首体支行负责人马建红、特米斯艺术馆馆长王苗、《艺术》杂志社主编郭丹、《世界华人报》主编刘志刚、《北京商报》主编刘亚力、文学评论家袁女士、版画家张桂林教授也出席了论坛并在会上进行了对丝网版画艺术与当代艺术的深入探讨。
  论坛围绕三个议题进行了深入探讨。
  议题一、如何看待艺术的发展自律与他律的二重性问题
  子议题:当代艺术发展趋向--迎合市场走向还是维护传统文化底线
  主持人:当代艺术存在于文化系统之中,艺术的发展不可避免地与文化的各种因素发生着关系,也就是说艺术的发展一直存在着一个自律与他律的二重性问题.艺术在自律与他律的矛盾性关系中发展,可以说这种现象一直都伴随着艺术的成长,这种意识形态上的选择同样成为一直以来影响艺术家创作思路的矛盾点,在选择自己的艺术形态表现形式上,是迎合时代的走向、脉络还是从自我主观意识出发,选择一条独辟蹊径的创作风格,前者可能会很快被他人接受,但是往往带有模仿的嫌疑也容易被汪洋淹没。后者也许会经历长久的默默无闻的煎熬,也许会异芭独放,也许会沉寂无声。有一句话叫做政治**经济,经济**艺术。艺术在两座大山的压榨下如何生存,是否在裂变过程中扭曲创作的初衷,是一直以来困扰人们的潜在因素。同样,艺术反过来又影响无数人的思维方式和生活理念。举例:美国西点军校第一课就是学习雷锋,淡化个人英雄主义,而中国也逐渐被超人和终结者感染,膨胀着个人主义行为色彩。
  今天的从事并坚持版画创作的人不是很多,但是否更具备民族特色和文化的传承性。
  请张桂林先生讲诉一下当代丝网版画的发展和与时代融合的特色。
  版画家张桂林:中国的版画发展历程*初始于延安抗战时期,当时版画是作为八路军的宣传工具出现的,因为当时没有复印和印刷设备,版画由于具备可印刷复制的特点,很适合解放区工作条件简陋的情况。解放后,版画同样起到了一定的宣传作用,但也同时走进了艺术创作的**,文革后,版画艺术逐渐分成铜板画、木版画和丝网版画三大版种,而我所从事的丝网版画创作恰巧填补了一个艺术创作门类的空白,其实也是一个偶然的因素。至于说发展到今天我参加了很多国内和国际上的展出活动,在参加这些展出活动的过程中,也逐渐累积了很多经验,在我的创作工作室也常常拿出来与同学们分享。如果说到版画同时代的结合,我觉得艺术创作*重要的一点是要有生活和观察、体验的过程,要有感而发。比如说过去的人喜欢画马,但是我就不建议现在的人也去画马,肯定不如前人画得好,你不如就去画汽车,肯定有发挥在里面。比如说我在文革后期创做的墙系列,在一些带有“拆”字符号的作品里,想表达的是一种怀旧的心态。再比如说我的另一幅作品里,名字叫《胡同里飞着的纸鹤》,我在墙面上画了一块牌子,上面写上“帅府胡同、居委会、食品店”三行字,巨大的纸鹤的影子、还有一个红色的纸鹤,其实这些都是带有那个时代的痕迹的作品,同时他又反映了中国建国初期的一系列发展特色,这种怀旧情绪实际上就是生活的一种映射,所以我想强调的是,没有生活就没有好的创作。至于它是什么风格和形式,经过这么多年的创作历程,其实对于我来说已经淡漠了,可能出来的作品就是有感而发,非常顺其然的东西。
  特米斯艺术馆王苗馆长:记得我曾经采访过法国巴黎大中华区的总监程新东,包括其他的国际画廊总裁,得到的信息是,在国外很多艺术家已经跳离出这个窘境,艺术家和市场能够相互得到认可,也就是说艺术家的作品,普遍能够得到一定人群的认可,相反人们喜欢的作品也能够在市场上找到。但是在国内不是这样,艺术市场的供求关系还没有得到充分的满足,造成很多富有艺术性的作品得不到市场的认可,大家认可的作品可选择的余地又不大。这可能跟中国文化市场处于起步阶段有直接的关系。
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  《北京商报》主编刘亚力:谈到艺术的发展自律与他律性,我觉得这二者常常是矛盾的。我想举这样一个例子,有一个画家叫黄XX,他的作品线条优美极富特色,被一些业内人士称为是世界上*美的线,但是由于背离市场,大家对他的认知度不够,作品一直不被市场青睐,有时为了节省路费,画家常常从宋庄走到 CBD,像这样的画家如何能够摆脱困境,也是一个摆在我们面前的社会问题。
  《世界华人报》主编刘志刚:八十年代初很多艺术家和画家是在作协、美协等国家机构的架构下工作的,也就是说是由国家供养的,现在很多艺术创作者茫然的进入市场,对很多市场运作的行情和潜规则不了解,就造成现在的脱节现象。
  画家张桂林教授:艺术家由于从事的是创作的工作,他的工作性质就是一个敲门的人,可能这个门是一个凯旋门,也可能是一个永远打不开的门,所以说艺术创作者要在坚定自己的艺术道路和信念的同时,也要学会一套寻找能够敲开的门的本领。任何一个行业。他的运作宗旨是要顺应市场的,比如说服务行业,如果艺术家低调一些,从另一个角度看待问题,那我想作品是否能够在当今社会受欢迎就是创作者的事情了。
  当然,我们不否认纯粹的艺术,但是如果是一个纯粹的艺术就不要考虑过多商业的因素,因为二者之间没有什么必然的联系。
  《艺术》杂志社主编郭丹:其实我觉得这些问题归根结底就是说中国现在的艺术市场化发展的程度还不够,从画商的角度需要将运作商业化,从策展人到包装到宣传都要按部就班,它是一整套的运作体系,是要付出很多的时间和精力的,画家应该将这部分工作分担出去,由画廊经纪人和策展人去做,而不是事必躬亲,自己做经纪人会很累,也不好。
  作为画廊也不应该过多的干预画家的创作,应该学会怎样有效的包装艺术品。
  特米斯艺术馆王苗馆长:我们也希望把一些更多更完善的游戏规则带入市场,搭建一个相互认识、沟通的平台。
  嘉宾袁小姐:任何经典文化是从流行中淘出来的,我们研究文学史会发现,在小说存在之前是诗和散文,小说作为一种流行文化被人们所不耻,是不被人们所认知的,但是今天小说成为文学的主流形势。我想表达的是,创作的前提是要体验生活,是一种自然和真情的表达,而不是封闭自我式的投入创作,只有融入市场和融入生活,被社会接受,才能体现价值。他们之间是成正比的,而不是两个矛盾对立面。
  人的生命不能伪饰艺术,流行的很多**成为经典,我们看到古代的《红楼梦》成为今人研究的对象,曾经颇受争议的金庸小说也在逐渐得到教育界的认可,我想表达的是,艺术家要有生活,而后创作,他首先是作为人存在的,而不是作为艺术家存在,是坚持自己还是迎合社会,迎合意识形态,其实艺术创作者更重要的是在体验生活中从事创作,不要害怕迎合社会,也许它就是当代艺术发展的方向。我认识一个来自内蒙的女孩,她的创作道路走得就比较简单,父母为了培养她花了很多的心血,甚至变卖房产,但是她从事创作十八年来,至今没有人赏识她的作品和才华。我觉得这个女孩的创作思路可能比较单一,缺乏生活,从而使得她的艺术道路变小。
  特米斯艺术馆王苗馆长:
  国外就有很多的艺术创作者,他们既是雕塑家、又是油画家,同时可能又是建筑设计师。他们的创作思路和创作形式就比较多样,甚至是富于创新。他们同时具备生存和多元艺术创作开发的能力。包括对语言的掌握这方面,由于地域的优势,很多欧洲国家的人同时掌握多国语言。我想说艺术工作者不是存在于真空的人,他们需要生存的土壤,如果这个土壤没有了,就需要找到一种本领再去培养她,而不是守株待兔。
  主持人:根据大家的发言,我想我们大致可以得出以下结论:审美文化是指人类审美活动的物化产品、观念体系和行为方式的总和。 审美文化的基本特性是自律和他律的二重性。 从总的情况看,中国古典美学强调审美文化的他律性是主导倾向,尤以儒家美学为甚。而道家美学则强调审美文化的自律自为的性质。 审美文化是自律和他律的辨证统一。也就是说,审美文化首先是一个他律的存在,是作为一种社会文化范畴而存在的。但审美文化作为一个独特的文化子系统,又是自律的。但是
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  在当代审美文化的语境中,这种基本特征又为艺术带来了新的形态和时代特色。辩证的看待,自律和他律的二重性就如同鱼和水的关系,二者相存相依,缺一不可。展开说,我们可以推论在艺术的**性和创造的意识形态与社会融合这方面,首先认为二者不是两个矛盾体,而是一种相互依存,相互衬托的关系,怎样处理好二者之间的状态,是艺术创作者恒久面对的课题,但是采取任何一种极端的方式都很难诞生好的艺术精品。
  议题二、当代艺术的互动—艺术形态与商业结合体现在硬件环境上的思路调整
  主持人:今天的艺术发展与所形成的外在的硬件系统似乎也形成一种相依相存的互动模式,我们的艺术经营走向是单打独斗还是融入其中,形成一种规模和态势。
  融入一种艺术文化氛围对于经营和互动,乃至于借力发挥都有好处。七九八一家画廊开业,其他画廊客流量跟着增加,画廊之间也互相派发宣传品,展会资料,区域的经营的**无疑会带动个体经营的优势。如果加上政府的投资力度,更是锦上添花。
  加入大环境的经营环境,在艺术品经营的定位和层次上受到影响,价格和渠道的恶意竞争,同行业之间的经营思路拷贝、抵触,使独立经营受到一定影响。以宋庄为例,由于农民对土地的经营意识增强,增加了土地租金,却令一部分画家被迫搬迁,如果艺术受到商业的干扰过多,会扭曲艺术本身的价值取向。画廊的经营要具备打持久战的精神,做出自己的风格和特色。
  特米斯艺术馆王苗馆长:首先介绍一下特米斯艺术馆的硬件环境,对于今天与会的嘉宾,我想艺术馆给各位带来的视觉上的直观感觉就很鲜明,很多人都认为我们的展馆特别有品位、有格调,也有点像***的艺术展馆,展厅给人以大气、稳重、温馨的感觉。没错,我们建馆当初就是想让特米斯艺术馆有别于普通的画廊以及艺术区域,因为任何种经营模式都是以独具特色占据上风,我们就是想以特米斯的姿态出现,而不是某个艺术区域的某个艺术氛围下的画廊,要具备自己经营上的特定的身份标签。所以特米斯选址在西直门外大街具有欧式建筑特色的凯旋大厦,虽然这里不是艺术聚集地,但是只要来过艺术馆或是听说过艺术馆的客人,对我们的印象都很深刻,这正是我们的优势所在,也是艺术馆定位在这里的前提。当然我们的展馆布置和装修完全是按照国际展馆的标准进行建设的,从灯光的亮度、柔和度,恒温恒湿的空气指标,光线的照射、降噪程度和墙面的间距、角度,包括安全性上都是经过慎重考虑的。这样的展馆才能够佩得上高品质的作品和优质的服务,才能够谈得上对优秀艺术家的负责态度。很多参观过我们艺术馆的艺术家们都比较喜欢这里的环境,并且表示愿意在这里举办展览,这也是我们从硬件上考虑得比较周到的因素。
  特米斯艺术馆一直以来以展示、收藏、拍卖、经营艺术品为主要的经营方向,艺术馆自成立以来一直致力于中国当代艺术和当代艺术家的推介和展示,注重作品的原创性和学术性,与国外艺术机构、艺术家积极合作,推进中外当代油画艺术的交流和互动。成功举办并策划了众多中外艺术名家的个展、联展活动,像在北京举办的“俄罗斯光明世界画家团油画作品”联展、在山西举办的首届中俄油画名家作品联展、在馆内举办的女画家纪晓萍“蝶.梦”个展、新乡土写实--中央美院张俊明教授个展等。
  在这里我想强调的是我们特米斯艺术馆的会员俱乐部。俱乐部成立以来已具备一定的规模和资质,这里云集的大多是艺术品爱好者、专家、学者,企业经理人、收藏家、业界名流等具备一定文化素养和社会层面的人士,我想不言而喻,俱乐部本身的架构就具备了它云集八方精英的魅力。而我们所要做的关键就是一个运作的理念。
  艺术馆在经营过程中,我们很重视为会员提供高质量的服务,与会员分享艺术馆的运作渠道,把艺术馆的好作品介绍给对艺术品的收藏和鉴赏有一定兴趣和认知度的会员们,为会员与艺术馆共同发展和逐步壮大做坚持不懈的努力,我们的俱乐部沙龙会为会员举办各种议题和不同形式的活动。如:艺术品的收藏鉴赏、涉外礼仪知识系列讲座、生活Party、派队、组织各种户外郊游等主题活动,重视会员的想法,接纳会员的建议,努力为会员营造一个他们喜欢并一直热忠投入其中的艺术沙龙。在这里我想强调的是,我们的俱乐部活动的宗旨并不是以外在的商业化运作理念为先导的,俱乐部成员不等同于收藏家,他们是以艺术馆的顾问的身份加入到特米斯大家庭中,他们是特米斯文化的核心力量的传播者和主导着。俱乐部对待入会的成员永远会保持一种热情的姿态和持久的亲和。
  “服务、分享、公益”是特米斯艺术馆俱乐部的宗旨。服务强调的是艺术馆为广大会员、艺术爱好者以及艺术家提供的服务,比如在艺术馆举办展览、在艺术领域介绍艺术家的作品、创作理念等、与国外艺术机构交流互动等一系列服务。分享强调的是特米斯艺术馆会员之间的资源互动。馆内的会员大多是社会上各行各业的精英人士,俱乐部将定期举办的各种议题论坛,各种主题Party等,都为他们提供了充分交流的机会以达到知识、资源共享。同时针对馆内的收藏作品,馆内的会员将享受价格以及服务上的优惠。公益性强调的是特米斯艺术馆作为展现城市文化特色的窗口,也会为社会文明的发展和城市文化底蕴的建设尽到应有的绵薄之力。
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  袁小姐:其实硬件环境只是一方面,我觉得俱乐部的成员聚集在一起更重要的是文化和精神层面的一种互动,很多高端的俱乐部**都作散了,为什么?我觉得是他们的凝聚力不够,或者说他们的经营方针有偏差,很多商业的味道夹杂在里面,所以就做散了。我们文化领域讲究的是“以道交”,具备忘我的精神就会有长久的生命力。物以类聚,人以群分,观察一个人的品行很简单的一个办法就是你看他结交的是什么样的朋友,我们如果聚集在一个精神层面上,以一种平和客观的姿态对待事物,不要目光短浅,见利忘义,也许一个企业文化就会长久的存在下去。
  特米斯艺术馆王苗馆长:实际上运作一个艺术品种,不论是从画家、画商还是画廊的角度都存在一定的风险,我们当然不主张俱乐部的成员去做一些冲动性的消费,甚至是变卖自己的财产购买艺术品,他们也许就是特米斯的文化传播人,或是艺术品推荐者,鉴赏家,我们是以各种身份出现在俱乐部这个大家庭里的,我们运作的宗旨就是**限度的减少客户和会员的风险度。有关风险共担的问题我想请民生银行的负责人马健红女士讲一下银行在这方面做出的努力。
  民生银行首体支行信用卡部负责人马健红女士:艺术品投资是社会发展到一定程度所诞生的一种高投入、高回报的投资项目。相对于地产业、股市来说,她的升值空间大,稳定性高,在国外大的商业财团都以投资收购艺术品作为聚财的主要项目。 民生银行一直在艺术品投资领域做出了很多贡献性的工作,也就是说我们要做第一个吃螃蟹的人,毕竟在国内大家对意识形态上的东西比较茫然,银行是比较程序化、机械化的一个运作机构,着手艺术品领域,对我们也是一个考验和新的课题。我们现在出台的一套方案就是客观全面的对客户所购买的艺术品进行评估,比如说特米斯艺术馆就有很多评估鉴赏方面的专家、学者,我们会以对客户负责的态度对待评估方面的工作,在具备一定资质的前提下为客户提供艺术品投资理财贷款业务,当然要有相应的抵押,在这种方式下,客户就可以同时拥有一件**增值空间的艺术品,又不失去自己的固有财产。民生银行的工作就是为客户在艺术品的投资、理财上提供一种双赢的局面。
  议题三、中国当代艺术形态的发展趋势和转型期的裂变
  主持人:八十年代初期,中国的艺术院校当时并不教授表现主义之后的艺术,我们对于当代主义的了解通常是来自于那些廉价印刷的黑白和并非准确的翻译。大部分中国艺术家和批评家也都是在这种误读中开始了自己的当代艺术实验。所以这些并不难解释为什么中国当代艺术在1980到1990年迅速的重演了一遍西方现代艺术史。
  中国的当代艺术诞生于80年代,诞生于后印象派和表现主义的传统中,这两种风格和中国流行的现实主义绘画有着很强的内在关联。首先是80年代以来的以绘画为主导的中国前卫艺术已经被简化为玩世现实主义和政治波普的绘画,而这种单一的绘画形式在冷战结束后成为国际收藏界追捧的对象,之后,又逐渐催生了90年代在北京东村发生的观念艺术和行为艺术,激发了比玩世现实主义和政治波普更加年轻一代的艺术家。
  90年代的中国社会从政治的封闭化迅速走向全面的“市场经济化”,虽然不能简单的说已经在本质上“西方化”,但是社会生活的内涵发生了巨大的变化,无论是文化还是生活,人们对抽象意识形态并不再感兴趣,而是开始追逐消费社会的生活乐趣。
  在北京正年轻的反叛的中国艺术家正在进行的观念艺术与行为艺术的试验。他们的展览刷新了尚在物质贫乏阶段的中国当代艺术对“视觉”、“质量”的理解。 和这个相关,他们颠倒了,而不是打破了艺术和生活之间的界限,并在不断的延长和强化这种错位(ix)。他们生活方式和艺术作品之间的关系以及某种对于日常生活的极端性的表现也影响了中国艺术家。
  流行文化和大众传媒对于当代艺术的挑战不仅仅只在于文化姿态和价值判断,同时它也呈现在艺术的语言方式和呈现方式上。流行文化以电影电视、音乐、游戏等手段,能在一个时间段内调动所有人的感觉能力,甚至能产生虚拟和仿真的效果,所有的这些都是传统艺术在欣赏中很难提供给观众的。同样艺术如何在美丽的现实生活中获得自己存在的理由和价值?这是后现代主义留给艺术的**问题。
  嘉宾:后现代艺术混淆了传统艺术媒介的界限,装置、录像、行为以及录像装置,现场表演都体现出艺术开始借助观众身体性和心理性的参与来获得自己的价值。的确,后现代主义在几十年的发展中,将艺术从形式和媒介的囚笼中解脱出来,使之获得更大的空间。但是这还不足以证明艺术在今天的价值和理由。
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  1997年在英国伦敦的**艺术学院举办了名为“感觉”的展览,一批年轻的艺术家浮现出来(翠西·艾敏的作品就像她的自传,她将过去32年和她同床的人的名字和书信贴在展厅的帐篷,所有的这些似乎称为一个隐喻,她就是那帐篷,而每个名字就像伤口一样布满了帐篷(xii)。瑞查·怀特里德的作品相当简单,她用日常物体的负空间来构成自己的作品。她将蜡、水泥、肥皂或者塑料注入到物体自身的空间中,然后将其凝固,比如“房子”[House, 1993](1994被毁坏了),伦敦东区的一个完整的维多利亚式的房子内部的混凝土作品(xiii),这样,她将一个可以被感觉到的空间呈现为一个视觉实体。
  所有的作品似乎提供了一种简单的传达观念的方式,同时它也将艺术的重心从抽象的政治和道德转向了个体在现场的体验,从宣扬艺术家的观念转向期待观众的心理判断。它们强制性的将观众和作品的心理距离拉近。从某种程度上看,它们是刺激的。但艺术家又将这种刺激控制在一个有效的限度之中。他们将血腥、伤害、破坏,包括外在的和心理上的伤害这些残酷的事实包装得漂漂亮亮的,展现在观众面前。但是它又不失时机的暗示观众漂亮下面的东西。
  对于很多人来说,这些作品真正体现了艺术在今天的理由和方式。他们出现在画廊里,这是一个不同与漆黑的剧院和封闭的书房的公共环境,人们失去了私人空间中的自由感。作品将社会禁忌、心理禁忌以美丽的形式交给你的时候,又让你无法掩饰自己的观点和羞怯。于是所有微妙的感觉出现了。它将观众的注意力引向那些难以捕捉的现实中。从中观众看到了正面和负面的感觉。它提供了一种新看待身体和隐私的角度,那些本应是私下才可看到的东西时,现在会使观众坐卧不安。对于艺术而言,他们的作品似乎提供了一种新方式,它使观众有机会感觉当今的很多幻想。人的触觉、嗅觉、视觉、听觉、味觉都在这里真实却又含蓄地发生着作用。
  小结
  艺术*重要的是个性
  2007年1月9日,为“2007当代艺术院校大学生年度提名展”征集作品的“青涩创想计划”正式启动。6月16日—7月28日,由50多名中国知名艺术家、艺术理论家、艺术批评家组成的评审委员会从10000余件征集作品中挑选了600多件作品进入本年度的提名展。入围作品包括国画、油画、版画、雕塑、综合材料、影像、动漫以及设计等多个方面。作为两届提名展的评委,谭平教授在对此次提名展给予充分肯定的同时也对艺术作品的多元化表示了认同。“多元化是一个正常现象,它与目前艺术教育的多元化密不可分。目前我们国内艺术院校学生与国外的相比,还是有些不同。*主要的就是在使用艺术语言上,我们还是更加多的使用传统语言,比如绘画等等;而欧美则比较多样开放。因此,学生作品的多元化很正常,以后也会发展下去。”从这些现象中我们不难看出,“艺术*重要的东西就是个性。”


 
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